云霄之上

作为毕业一年的本院学生，还是想吐槽一下《云霄之上》。 首先，主创老师们都很真诚，疫情原因不得不只能观看线上QA和座谈会，从导演到编剧无不怀着一颗真诚之心来分享，四天的线上QA分享不亚于上了四堂美院公开课，干货满满，但是讲的好是一回事，结果好又是一回事。 就其目的来看，又想要是命题作文，又想要是教学案例，又想要是诗性电影；成片支撑不起老师们庞大的胃口，观众也不见得买账，甚至嘲弄美院的关门自嗨行径。

先谈云霄优点

作为学生来讲，看到本院出了一部活生生的教学案例，无疑是十分激动的。印象里上了三年课也只有一位老师给我们放过自己的短片案例，我至今还记得老师不好意思的神态，好像是说即使不好你们也别笑我。学生当然会有自己的见解与思考，但有什么能比活生生摆在自己面前的案例更能我们开导这群眼高手低的美院学生呢？没有了吧。

导演编剧美术后期视效，各位老师们终于在各自擅长的岗位给学生们打开了一盏教学的明灯，指向所谓的“诗性电影”方向，结合学校今年改革新分了电影学院与动画学院，《云霄》无疑是一个很好的课堂案例，我觉得这才能从各类院校的影视教学中脱颖而出，形成独特的教育方针。但是仅凭《云霄》这种命题作文是远远不够的，美院还需要往更多的方向去探索，给予有想法有能力的学生更多的支持，以毕业联合或者帮助学生与校外资源合作，结合师资的教学与帮助，去完成更多的更高完整度的作品，用这些独特版权的作品去与学生教学相长。或许这是我对美院的小期待。

就其成片来说，主要的缺点我觉得也是老师们拍起电影来不够成熟的地方：小资本制片的同时以及主要人员几乎是美院学生! 摄影上斯坦尼康用也用不好、好几次都有焦点上的问题，DP居然是给我上过课的研究生学长，讲起课来深入浅出，拍起片来我只能说差点意思……；调色上不能适应大部分的放映情况的同时也让演员的表演全部“失真”，成为了宽银幕上能动的一团符号，你在人脸都看不清的情况下自然也不会记得谁是谁，哪来的情感累积，同时过重的影调也出现了很多后期的技术问题；编剧上想要的太多，大战前的洞穴报名字简直是最大的败笔；分镜上最后一场战斗的空间处理配合前面没到位的情感累积，比起片中死人的干脆来说简直是一片混乱；更糟糕的是后期配的声音和氛围音乐出现消失的时机，全然暴露了后期制作上的不成熟以及导演调教的不到位。

命题的性质以及美院初探电影市场怀着那股兴奋劲大力的宣发让一些观众注意到并且开始秉持怀疑的态度去尝试这一口不好咽下去的饭，《云霄》最后也不得不面对市场的检验，结果并不是很理想。而主创老师们怀着那股“我们不一样我们是做教育我们是一次尝试”的心态去面对多样化的观众，更是令《云霄》遭到了很多影视爱好者泼来的冷水，豆瓣影评里可见一斑。或许，关起门来做教学会更好，要不出风头就交给老师们培养出来的学生吧。

（PS：以上仅个人观感 不代表其他人）

6月17日，艺术战争电影《云霄之上》正式在全国艺联专线上映。本片由中国美术学院电影学院教授、导演刘智海执导；浙江影视集团制片人张凡凡从电视剧领域转战电影；中国美术学院电影学院院长、知名电影人、《十七岁的单车》《蓝色大门》监制徐小明担任总监制；《气球》《撞死了一只羊》《塔洛》导演万玛才旦、《雪暴》导演崔斯韦担任监制；陈伟鑫、吴嘉辉、聂劲权、应林坚、林裔、陈文元、陈雨泽主演。

该片获得第11届北京国际电影节主竞赛单元“天坛奖”最佳影片、最佳（团体）男主角、最佳摄影三项大奖，并入围上海国际电影节、加拿大多伦多国际电影节、日本京都国际电影节、丝绸之路国际电影节、长春电影节、澳大利亚金考拉国际华语电影节、日本冲绳国际电影节等国内外知名电影节展。

影片取材于“挺进师”的真实历史，却采用了一个诗意的主题“云霄之上”，导演和编剧希望去探讨的，就是战斗的残酷和人性的温暖，因此影片中时不时地渗透出一种抒情性，苦难与残酷中始终有一丝拨动人心的东西。这个故事是残酷的，但是决非绝望，因为有一种东西随着情节的展开在慢慢生长，这就是命令、责任凝结而成的那种“非如此不可”——我们知道，这是贝多芬“命运”的前奏。英雄是一种命运，这部影片是讲述英雄的，但是整个故事在告诉我们，其实没有谁天生是英雄，所有这些战士本质上都是普通人，所有的革命者原本都是人民，他们只是勇敢地担当起他们的命运。

导筒本期带来《云霄之上》声音设计和配乐德格才让对本片的幕后深度解析，一同走近这部追求”虚与实的诗意质感”的华语文艺战争片。

《云霄之上》声音设计之 ”虚与实的诗意质感”

1.缘起 有一天万导（本片监制）电话过来说帮中国美院做个声音，我脑海遐想各种，万导在电话那头开玩笑说：“是一个主旋律战争电影，接吗？”我说：“让他们发样片看看。”我做过主旋律，也做过战争电影，但是美院做这样的电影？ 当我看完粗片时，非常惊喜，在我看来它并不是一个主旋律电影，被强烈的风格化影像和质朴小人物故事所触动，尤其它在声音创作上有无限的可能性，决定了我痛快接手，并且在粗剪阶段进入声音创作设计。

2. 声音设计之概念 -------- 从写实到表意

（左德格才让 右边徐晶晶 在魔都SMG杜比全景声棚）

首次和刘智海老师简短的微信交流，我问有没有一些对标的参考电影，刘老师也是开玩笑说：有点像荒野猎人感就好了。我觉得电影气质在声音的叙事纪实层面，的确有相似之处。 但云霄之上有多次幻觉主观的表达是不同与荒野猎人的。所以，我脑海里对这部电影的声音概念是虚与实的交织，客观与主观的交替，那么这部电影的声音不能那么实了，因为给我感受这群人来自五湖四海，共赴一个目的，在当下的社会境遇我觉得它更像是个童话，所以整部电影的声音从非常写实做到写意才符合这部电影的气质。 3.对白 吴语方言的设计，地域色彩强烈，塑造人物形象 一部电影有味道，除了视觉风格外，方言对白的设计，使地域色彩增强视听的气氛，有助于故事的推进。本片中实际上是五湖四海的演员，但是故事发生地在江浙，统一使用吴语，还原历史桥段外，更重要的是会让人有带入感，带入那个区域的真实空间，敌我双方都是用同样的语系，两位男主是江浙籍演员，但为了达到这种视听空间真实性的统一，所有演员都作了ADR（对白自动替换），基本是一个准工艺大片。同期由美院老师马晟老师录制，后期ADR则由徐晓晶老师负责，为了达到极致，以至于一个ADR录音和编辑前后辞退，花了5个多月时间一直在调整统一ADR（主要是抱怨工作强度大，版本多）。因为是第一次的吴语影像呈现，刘导在ADR制作就比较苛刻，同一个演员由至少从三四个人去试音，最终选择最接近人物角色音质的。一方面，配音人员的音色一定要接近每个人物的年龄感。另一方面，在后期重塑这个角色需要真情实感，在某种程度来讲，对于非职业配音演员，都是一次莫大的挑战。ADR在本片呈现中人物形象，产生地域色彩感会引领观众带入那个时空，进入那个故事，相信那个故事。

（徐晶晶ADR录制工作瞬间）

声音整个制作加音乐周期一个月！（按这个体量至少应该三个月）其实我发现我们同样在完成一个不可能的任务，像极了这部电影。国美的老师同学们如同电影里的那些战士，废寝忘食迎头而上，加上疫情的不便，我是两次从北京到杭州，再到上海的SMG的杜比全景声去混录，像我正常这样的院线混录最少也得20天，幸好大量ADR的工作徐晶晶老师提前完成，不然根本不可能短短一个月完成，我们用的音轨达到500左右了，为了还原地域色彩感，配音演员也是浙江各个地方，也是为了体现挺进师来自江浙五湖四海，那些默默无名的小人物，所以光从ADR来而言，其实是个大工程。我记得刘老师为了这种质感，非常严谨考究每种当地的方言，就打鱼妹来说，换了好几个人和音色去考量抉择，而且专门还请丽水话的老师指导，尽力口语化，力求达到本土语言的纯粹。 4.环境 环境声的丰满，使人身临其境 我一直在做电影声音中会强调环境声的重要性，因为环境声的丰满决定了电影感，而电影的画面有沉浸感、立体感，除了画面外，环境声的丰满和层次是实现这种空间感、纵深感、方位感的最重要的呈现方式。 《云霄之上》在这个层面其实难度是很大的，首先以黑白、非黑白的画面呈现出来的影像，它从场景层面看似雷同，比如丛林、溶洞、芦苇地、小镇、破庙、河流、要塞、田地、幻境等等场景，因为你的画面的色彩度明暗度的不同，从声音层面如何塑造场景，如何塑造气氛其实是一个很大的挑战。

开篇窒息的气氛、男主出场后层层危险逼近的气氛（恶劣环境、横尸遍野、苍蝇萦绕尸体、死尸还在滴血、被吊打的战友、紧追不舍的追兵、毒蛇（意向）等等），第一次溶洞里相对安全的气氛（老鲁在溶洞强忍伤痛给自己包扎伤口，用风吹溶洞的回声表现孤独无奈与迷茫，直到小哨子吹口哨的声来化解不安情绪。）其实，每个场景我们都在做“层次”变化。比如，老鲁所在的溶洞和众战士宣誓的溶洞，通过空间大小、声音元素的不同来区别，在设计环境时候，老鲁所在溶洞是相对小的，所以在混对白的时候也相对比后者要“干”一些，直到他从火堆走到洞口才能感受洞穴的回声，包括设计屋外不安的情绪渗透进来“乌鸦”，小哨子紧张的叫喊，以及炽热的知了声，也是为后一场田野间的混战做铺垫。后者，在溶洞里设计了暗流的溪水、以及洞内泉水嘀嗒的声音、烹煮的声音、以及洞内的群鸟，为了区分两者气氛，后者特效来制作群鸟，不仅是为了画面呈现层次，也是声音来丰满洞内的动静，用这种气氛来渲染众人誓死的壮举。

（在预混棚指导四位学生林倩如、王文灿、龚毓琳、林海宏来编辑环境声设计）

5.动效与混录 实实虚虚，保真立意。 动效和混录有着非常大的关系，这也是我们一开始讨论这部电影的声音调性和风格，影像的独特风格，使我并不想作的那么实，尽管看上去像纪实，如果视听不能匹配画面就会显得苍白做作无力。所以保真是为了一般观众的观影需求，立意才是我们想用声音来去表现意境，以及战争的残酷，毕竟这个美学不是《敦刻尔克》也不是《1917》。它是属于这部电影独有的特质。

我们这边男主洪启程有两次幻景，第一次瀑布跳下悬崖掉入水中，我们设计了水中低频的运用，让男主预见死亡，在水下他发现到处漂浮的战友尸体前，我把所有的声音静默，先让他窒息片刻。我通常给学生上课也强调，无声也是一种强有力量的声音，从声音设计来讲，看到某个画面，听到某个画面的声音。听到某个声音，看到与之相应的画面。听到某个声音，期待与之相应的画面。那么我们把男主在水中挂了窒息的片刻处理成无声，下一个镜头的声音设计成枪林弹雨、激战惨叫声来强化战争的残酷，另一个方面，从男主的主观视角，加入了心跳声来营造紧张感，铺垫后面男主在尸体中穿梭中撞见了另一个他，达到紧张的极致，在此段落配乐也是随着他的情绪也是上升。（配乐段落，接下来讲。）

（第一次男主幻景）

第二次的幻觉其实挑战最大，反复实验数遍，才做成现在的效果。小哨子牺牲后把下雨的环境声抽离，把环境声（雨声雷声知了声加上EQ作闷作窄），只保留动效动脚步和气息声，男主的动效声空灵的（混响）、紧张气息声（很大），而虚幻的另一个他出现时动效是干的、实的、不发闷、不发空的，主观的男主越来越紧张，气息越来越大，被虚幻的他过来“碰”一枪干掉，此刻虚幻的他是没有任何气息的，他是一个虚幻，也是一个死亡的二次预示，用一声闷雷切回到现实世界。我突然想起来《寄生虫》地下室基佑拿着石头紧张情绪的段落，崔太用在环境声（空气声）加了滤波器和混响等效果来做出不安的气氛，加重基佑的气息声来渲染这种紧张气氛。

所以说在混录的世界里没有绝对的一个标准，唯一的标准是它能否为剧情增色和叙事。 当然，在这点上刘老师和国美团队是大胆的，也是纯粹的，所以会让我们尽情地去创作，这是很愉快的，能真的带有激情的。我们本身追求的视听方向也是表意为主，这或许会对习惯了惯有体验方式的观众与其说是个挑战，还不如说是个尝新。或许，在某个层面我的创作有点偏私，在这么强大的影像呈现下，你的声音该如何发挥，如何在声音上匹配画面的诗意感。我想到了阿巴斯，想到了他的《如沐爱河》，影片中明子到教授家之后，画外虚焦的车流声的“侵袭”，以至于他们俩对话时候，环境声越来越大，这些杂音效果，会让观众下意识的以为是后期出了问题，以至于大家会分辨这些杂音而忽略或关注对话，虽然阿巴斯从未公开聊这段设计，但其实就是阿巴斯电影自反方式的一种。所以两次男主的幻景，也通过环境声和效果的特殊处理及混录达到一个反画面的效果，反而会增强了整体这段视听效果，尤其是第二个幻景从色彩和场景无法区分人物，那么就要从声音上大刀阔斧，我向来不会在意被外界干扰，这也是让我觉得做电影声音最吸引我的地方。

男主最后一次的幻景是血雨，也是色彩叙事最高光的时刻，我们在混录时，男主听见远处白匪弹药库的爆炸声后释然，此刻闷雷变为响雷，小雨渐变成暴雨狠狠打在脸上、身上、帽子上，气息声也渐渐从强到弱，到正常，完成任务男主终于可以闭眼甩下心中的包袱，此刻在某种层面死亡对他已经没有什么意义，因为他深知其他战友全部牺牲了，环境雨声设计成抽离，进入主观情绪世界，只听到雨声打在男主衣服上的声音，伴随着主基调的小号凄美旋律响起，“砰”一声枪响结束。在这最后一枪上，曾多次和监制们讨论的非常激烈，有的觉得不要这一声，感觉还有一个希望的憧憬，但是我个人认为，最终这些默默奉献的战士，最终还是要尊重“牺牲”这个层面，我觉得全部倒下了，才更能懂牺牲对于当下的意义，所以我坚持下来这样一个设计，刘老师最后还是认可了这样的观点。 6．关于配乐，简约克制中推动情绪 最初我拿到粗片工程时，是没有任何配乐的，我的感觉总是差了一点劲，因为整体基调都比较平，尤其画面感太突出的时候，感觉声音光靠声效还是不够，其实配乐的过程是根据听觉节奏去补气氛的过程。所以我觉得首先不能煽情，不能用传统配乐来烘托，我想到最主要是需要体验感，想到了《老无所依》中混录师Skip曾说，这个片子在声音层面是反类型的，它以环境声、动效声来代替传统犯罪片中密集的配乐，让大家有种偷窥感、和追踪者有参与感。所以在配乐编曲时候抛弃了传统一种编配方式，用氛围音乐来去营造这样的气氛。 比如渡河水鬼那场戏，就用了很多两级的频率来交织，低频的律动暗流涌动，高频刺耳递进提琴来去升华紧张感，也有人觉得这是恐怖片，没错，没有比战争更恐怖的，没有比在水下为了其他战友的安全，捂住战友嘴窒息的，现实就是那么残酷。动效配合音乐，在水下中淡的段落，我们设计只做点动效，其他部分让给音乐来去烘托，一直到他们安全浮出水面，用木船的划桨声、对岸白匪的嬉闹声、还有喇叭播放的音乐（《龙华的桃花》）悠然飘荡在湖面…..

（ 在美院移动作战，白天做声音设计晚上做音乐，渡江片段的音乐创作）

一头白匪们在调戏打鱼妹，然而另一头的战士们却又人在水中牺牲，他们在树林间向牺牲的战友致敬告别，此刻第二次主基调的旋律缓缓响起，第一次是在破庙里战友们意见不合到小哨子肚子饥饿辘辘，我觉得那刻需要一点音乐，尽管它不能音乐性太强化，那刻需要一点温情，于是只是用了两轨PAD，一轨打底，一轨旋律（其实和小号旋律一样，只不过变速放舒缓）。

（ 在鲁博文牺牲的时候，音效音乐全都Fade out，只保留照片上人的开口说话）

其他部分的配乐尽力做到克制，迷雾森林中以低频Pad为主的氛围音乐烘托不安、危险、紧张，破庙里的战役，让音乐让出动效部分，手榴弹爆炸后，丁松柏完全进入主观世界，他感觉听不清其他战友的叫喊，那些喊声是模糊的，发虚的，而他被炸的耳鸣天旋地转，我们在混录时候把pan转了一圈，来营造这种眩晕感，来呈现他的痛苦。芦苇铺里的配乐尽力做到苍凉悲壮，因为一个个战友开始倒下去，老鲁中弹临死前也是牵挂唯一的念想，那就是让洪队长拿出相片，此刻他也是完全听不清队长在喊什么，而是所有焦点在相片上，这也是呼应在溶洞里他介意小哨子碰他最珍贵的东西，一张照片，此刻我觉得从老鲁眼睛看到了他是多么想“活”着的动力，那么我觉得他内心是可以和照片上的亲人对话，尽管他没有开口，我让照片上的亲人们开口说话了“老鲁，爹爹….” 甚至小哨子牺牲了，洪队长在歇斯底里挖土时，音乐也是点到为止，把洪队长最高的情绪留给他的肢体语言动效。音乐的设计一直是隐蔽的，或者说是收敛的，我想更多的是观众有参与感，因为一开始我在设计声音时候想到了之前玩的PSP游戏，忘了叫什么，类似使命召唤，其实也有参考过《末日不再》那张体验感，音乐不能光自己好听就好，而是能配合动效才是最好的。很多时候，在动作戏的时候其实音乐更多潜伏的，让肢体动作脚步甚至气息放大，来破纪实感，让更加主观化。

（德格才让在指导小号的情绪演绎）

（让小号手邹子昊看大影幕来寻找感觉）

（最后用两种话筒（短枪Mic和U87）、两种演绎（带消音器和不带消音）来录制）

沈队长的牺牲到宏队长的血雨是比较难配，需要我一次性看着画面和人物情绪铺到底，其中包含了两个人物内心的挣扎与坦诚，需要悲壮凄凉但不煽情，选择厚重的Pad音色还是比较符合，洪队长在确认弹药库被炸释然，闭眼的时候音乐也变奏到一个情绪变化（也是一个情绪出口），最终音乐淡下去消失，小号既是冲锋号，在此刻是孤独的，所有的战友都牺牲了，所以一开始旋律是用采样用做，后来在上海混录时，朋友叫了一个上音的小号手（邹子昊）来演绎，我让他在杜比全景棚找着感觉，陈申老师、马老师也不辞劳苦亲力录制小号，希望能捕捉到有肉有血的律动，我不希望他完全遵从我的旋律，当然规定的画面外，我更希望从他个人理解那些战士在那一刻的心境和感受，与是才有了溶洞宣誓的那段小号，也算是我唯一想音乐“煽情”。

（溶洞宣誓，群鸟飞舞，豪言壮语，悲凉的小号响起，将小号的Level渐渐推高）

即便是这样还是有遗憾，比如 沈队长和洪队长在配乐的音色上应该在反差更大一点，因为在芦苇地里的解释丁松柏的那段是沈队长的画外音，有些人认为那是洪队长，为此我们也是讨论激烈，这段画外音如何呈现为是“闪回”或“回忆”，有的支持用混响，有的则不，就要混的贴耳倾诉的感觉。 超现实绘画大师达利说：不要害怕完美，因为你永远也达不到。 至少我在声音设计和配乐尽力不留遗憾，也很感谢国美的老师学生们的信任，一个月完成了不可能完成的任务，至此观影者们也请多多支持这部纯粹的创作吧，有交流我们可以在直播和微博微信继续探讨，谢谢。

（主创左起松柏、德格才让、刘智海、徐晶晶、马晟）

新中国成立前的电影教育和制作全部集中于上海，包括南京，电影业者绝大部分来自华东。新中国成立后全部转移至北京，随着北京电影学院创建，电影业者主要来自北方，这种局面维持至今。 中国美院领衔投资并主创本片，利于电影人才更广泛的培养吸纳，利于中国电影理论研究与实践实现多元发展。 电影的摄影和画面处理相对来说是较容易学习或借鉴的，所以很多影人把它们放在最前列。用摄影和画面去引领人物塑造和故事冲突。本片就是如此。 对于电影的诗意，还是不要提或者少提吧。电影的诗意之美是广泛存在于所有电影中的。 反而任何一部形式主义电影都在电影的类型之中，只是电影的类型概念已经超过半个世纪没有更新过，亟待有一个再定义划分。 本片是战争惊悚片，甚至有政治惊悚的意义。由艺术院校主导拍摄也是更具电影体制变革的象征意义，尝试探索对电影都是有益的，在中国尤其如此。

比普通暗调影像再暗一点，还是可以接受。并非空留形式，而是象征1935年工农红军陷入至暗时刻。红军的旗帜如此展示，是一种突破。

影片为表现红军战士在山野森林求生并战斗，几乎全部外景拍摄，难度较大。人性与自然关系多为西方影人涉足。在此，红军战士的人性也是人类的共性。

多处水下拍摄，时长超五分钟。对绝处逢生的惊悚氛围塑造和叙事推进都起到巨大作用。

片中难得一处惊悚以外的革命浪漫主义场景。彩色还原度相对也处于全片最高。女性形象的塑造同工于1984年《一个和八个》。

舞台戏剧效果强烈。周边全黑，战士隐于半明半暗中，还是表达红军的艰难处境，同时隐喻彼时红军内部的思想斗争。中间的战士有着经典的纪念碑式构图。最早出现在爱森斯坦的影片中，如《十月》。

启发于1984《一个和八个》的俯视构图，表现人被困于环境。其实，本片的主旨以及人物线故事线和第五代导演开山作品《一个和八个》高度一致。

还是两侧黑暗中间人物稍明亮的镜头，红军战士有着摇滚青年的不羁神态，手中的火柴燃烧良久。是否表达年轻的红军战士对光明的期许呢？

枪声清脆，树林狰狞，配乐是无旋律惊悚音效，标准的惊悚电影场景，杀机四伏。

最后，血雨腥风中的红军战士，极具象征意义。1935年初遵义会议已经召开，确立了毛泽东在红军和中共中央的领导地位。红军即将走出至暗力挽狂澜。

全片色彩介于黑白与彩色之间，也是象征红军乃至中国新民主主义革命处于又一个关键转折时期。 云霄之上，并非立于云端，实则立绝地而生。是中国哲思。

痛点

1.立意很高，反应战争残酷的同时还凸显人性的弱点

2.片中9岁的小红军为了救俘虏牺牲，故事以敌人为了活命喊出的我们都是自己人为结尾，手法讽刺而深刻

嘈点

1.电影手法过于朴素，不够成熟

2.没有专业背景的演员，表情台词过于生硬

3.晃悠镜头太多，后期剪辑跟不上故事进度，导致故事缺乏完整性

关于思考

1.如果这部片给成熟的电影团队拍，再加上有演技的明星，能拍出战士面对军令是否执行时的矛盾心理，这电影一定很成功

2.红军的队长里面有文化人，有目不识字的队长，他们在战争中是如何统一意见并执行的？

3.中国经历过的所有战争几乎都是拼人口，希望未来真的能拼科技

4.敬爱的周总理在一个世纪前就立下誓言为中华崛起而读书并能饯行下去，作为那时候的人，有如此大的觉悟和志向真的百年难得一遇

5.现在年轻人读书的理由，到底是什么呢？

《云霄之上》与传统主旋律战争电影相比，它几乎是反其道而行之的，但看完，我仍旧觉得这是一部不能错过的战争电影，这是为什么呢？大概是因为其“残酷与诗意”并存的美学风格。 　　1、色彩设计与长镜头 看完之后，查了一下才知道导演是中国美术学院教授，怪不得电影呈现出了一种与中国山水画一般的诗意。影片在浙江取景，南方山水天然给影片增添了一种神秘，配合低纯度色彩、自然光加上长镜头摄影方式，我们仿佛跟随红军战士穿行在一幅水墨山水画中。 虽全片是低纯度色彩，但随着故事发展，色彩也随之发生细微变化，直到最后那一场红色的血雨，悲壮之感油然而生。 　　2、方言台词设计 为了更贴合现实，影片全片采用了台词方言。方言的加持，可以说是提升了影片的质感，我们能感受到一种真实力量的表达。7

在2021年的北京国际电影节上，《云霄之上》成为最大赢家，这部由中国美术学院影视与动画学院教授刘志海导演执导、周佳鹂编剧的影片荣获第十一届北京国际电影节天坛奖、最佳男主角（团体男演员）、以及最佳摄影奖项，收获了众多好评。

导演李睿珺这样评价：“影片非常难得的是把目光投向了一个个具体而又鲜活的个体，温柔、残酷且富有诗意；而且在同类题材电影中勇敢且非常成功地做了电影语言的探索。”

作者：耿艺淇编辑：兔子彬诶

责编：置否

策划：抛开书本编辑部未经许可，禁止转载抛开书本6月17日，艺术战争电影《云霄之上》正式在全国艺联专线上映，这部不同于传统主旋律的战争诗性电影讲述了浙西南地区，年轻的红军战士洪启辰接受到48小时内务必炸毁敌方白匪弹药库，来挽救前线三百多条战士性命的任务。

然而这份任务鲜少人收到，在行进途中洪启辰与其他散落的战士相遇，最后共同抵抗白匪的围追堵截，但自身的队伍也早已损失惨重，队伍在氤氲云雾的山间、幽深阴冷的山洞、破旧简陋的废屋等之间辗转奔波，影片最终在一片鲜艳的血雨和枪声中结束。

许多人在观看完《云霄之上》后往往谈论起影片中富有诗意、犹如水墨画般的视觉画面。

例如在片头处，洪启辰身穿破旧的麻衫，在湖下艰难缓慢地游动，他一边游泳，边用手轻轻拨开身边一个个战友静默且冰冷的尸体，仿佛经过他们仍在呼吸的身体，又仿佛一切都是洪启辰对湖底牺牲场景的再度想象。

镜头以主观的视角缓慢地跟随移动，水中的声音宁静，犹如庄重的圣殿。

在《云霄之上》的宣传海报之一中写着：“危险无处不在，求生还是赴死？”——战争中的死亡是影片持续探讨的主题之一。

在以往战争片的传统叙事中，英雄与敌人或者其他人物的死亡往往在特定的情节出现，主角的死亡或者求生的行动常带来明显的戏剧性色彩。

而《云霄之上》中，无论是一行人共同潜伏在水下伺机行动被发现而牺牲的场景，还是在葱郁的麦田中与敌人进行伏击战时的桥段，人物角色的死亡携带着极大的不确定性。

周茹云作为唯一的女性角色在麦田的战斗中即将留到了最后，但是在茹云被队友呼喊名字后，一记冷枪让周茹云随即倒下牺牲。

战斗中的死亡太过无常，生命于战争而言总是太过渺小、太过微弱，镜头也始终以写实的长镜头来进行叙事，更加完整保留了叙事的真实力量。

再比如，当洪启辰告诉队友，是否选择完成上级交给的任务都是自己的权力，并宣告自己决定独自完成任务时，众人正处在一个深幽湿冷的山洞中，洞外的云雾缭绕，脚底杂木丛生。

而洪启辰的坚定决心感染了众人，这支在途中互相搀扶救助的队伍里有长者，有年轻的战士，有刚毅的女性，也有警觉的孩童，也有一个狼狈的逃兵。

他们决定去共同完成这个艰巨但异常关键的任务，此时镜头里的他们有着钢钉般的意志，神情坚定，目光炯炯，在山洞巍然屹立。

观影之后，最令笔者感到动容的地方是《云霄之上》的确不同于以往传统的主旋律的战争片，一味地追求爆裂的声势浩大的场面和短快的叙事节奏，而是试图在影像的形式感与写实性之间寻求一种叙事的平衡。

这种平衡基于浙西南地区的故事场景展开，画面时常在崇山峻岭的幽静、潮湿，静谧中，在战士相互慰藉，在同吸一根烟的昏暗场景里，又或者仅仅是记录战士们在稍作休息的夏夜里睡意昏沉的姿态里，动物的意象（如蛇、白蛾等）也同样多次出现，喻示着危机与警觉。

在影片的摄影方面，不难看出创作者用了很大的心思去构想，镜头的运动也多以长镜头为主，以一种真诚纪实的视角叙事。

映后，往往有许多观众提出“每一帧画面都能作为明信片”的夸赞，当然，画面的精准构图和设计也因此为人诟病“学院风”太重了，反而脱离了以往战争片的观影经验，让人感到意象的意味太浓。

但影片所带来的真切动人的力量仍旧引起了许多观众的共鸣，这样一部特殊的战争题材的作品聚焦于一件被浩大历史埋没的真实事件，将镜头对准浙西南地区里的普通平凡的“无名战士”，能给予观众更多关于历史、战争以及有关使命的启迪。