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剧情介绍
◎1975奧斯卡最佳外語片 ◎1974紐約影評人協會最佳導演及最佳影片 三月，空氣中紛飛飄揚著輕軟絮草，教堂的鐘響迴盪在石板路上，小鎮的春天就此揭開序幕。時序回到三零年代亞德里亞海邊的小城，墨索里尼的極右理想仍是信奉的教條，建築工人老爸、家庭主婦老媽、遊手好閒的舅舅、頑皮的小弟，男孩在天主教、法西斯和義大利傳統家庭價值中，迎接他的青春與成長。教室裡捉弄老師的惡作劇、教堂裡擔心手淫的懺悔、鄉村海邊的熱鬧婚宴，費里尼從容隨意地摘選擷取小鎮生活的切片與軼事，密密織就一片記憶之網，在時代洪流與個人思憶之間相互輝映。 費里尼曾說：「一個人所能做的紀錄，永遠是，也只能是對他自己的紀錄」。《阿瑪珂德》不但被推崇為其個人寫實語法的代表作，也被視為他最重要的自傳作品之一。影片一方面帶領觀眾走進費里尼的童年生活，看見他純真誠摯、幽默風趣的情感源頭。在時代景況的描繪上，也跳脫了純粹客觀、歷史觀察式的審視與檢驗，從最根本的生活細節著手，真實地重現了二次大戰前後義大利境內法西斯的樣貌。 有趣的是，在《阿瑪珂德》中，我們也可清楚地看到費里尼對女性形象的思索與著迷，聖母、烈女、蕩婦的三位一體，母親與妓女形成了互為表裡的對比，而費里尼作品中一再出現的、體態豐腴、巨大的女體，不但是哺育孩童的母性泉源，也是青年性啟蒙的開端。热播电视剧最新电影满分之一秒罗莎的婚礼雨人贼婆翻身记 第一季最后的佣兵京都寻声我女朋友的男朋友第一部漂流家园恶灵再临
长篇影评
1 ) 现实和戏剧之间的薄雾
费里尼的电影作品，为什么伟大，为什么更加接近艺术本质，内容的丰富和充分是重要的一个方面。从作品的内容、内涵、意象外延、代指等各个方面，他的作品在相当完整、自治的前提下形成一个丰富的“艺术载体”。费里尼的作品具备综合的、复杂的特征，创作者通过调配和整个其中的成分，创造了一个有足够的分析和体会成分的成品。这也就是很多评论者会不断重复几个关键词“青春”“回忆”“小城”“群像”的原因：这是类似于品尝到了“酸甜苦辣”等基本味道和成分；而对于另外一类品尝者，可能就能体会出更为微妙的滋味。
另外一个方面，就是素材和内容的多义性和相互之间的关系。无论是如何庞大的作品，能够容纳的内容或者说可以使用的素材总是有限的，所以素材之间的关联性和相互响应才更加重要，可以放大和强化创作者意图的效果。同时，素材所包含和容纳的含义具有充分的多义性和适当的含蓄，才可以引发观众在一定程度上的“误解”和自发解读，并引导观众来触发感受。镜头的时间，构图，移动，连接，都是为了最终的引导观众感受而服务。
总之，费里尼的作品是基于一定的艺术规律或经验，加以创作者的直觉用丰富的素材和手法精心完成，然而又能够看起来毫不做作和突出，这个境界实在值得玩味。
回到这部电影。尽管影片并没有一个完整的故事情节，但是仍然能保持作品的完整性，这是因为在作品中，费里尼使用了多种电影和戏剧的手法来保持连贯。从电影本身的角度，在技法上费里尼使用了经典和巧妙的蒙太奇对镜头进行连接和过渡，制造出一种完全是“气氛”而非情节或视觉的连续性；在场景设置上通过滑轨拍摄对空间和建筑的关系进行了清楚的交代，保证了观看者对背景连续性的认同，并且会有节奏的置入一个特征性的镜头（如海港的甬道，广场的俯视）交代不同段落之间空间关系的一致性；很明显的一个设置是设定了一个戏剧中常用的角色，以直接对镜头叙述的方式连接几个主要的段落关系来实现过渡，这个设置并且打破了第四面墙的传统；最重要的，当然是在叙事结构上温和的使用戏剧中并置、延续和对比的手法，对几个主要的主题如肉体和性的暗示、对政治和热情的嘲讽、传统和放荡的对比、生和死的对比等，由观看者自发的寻找这些内在的、强烈或微弱的呼应关系。通过这些手段，这部作品得以成为一个完整的、风格一致的、达到微妙的平衡的群像作品，犹如一幅文艺复兴时期的群像油画，在重心、主题和人物对象等各个方面都达成了完美的和谐。
在这部电影中，导演特征非常强烈的重要元素，就是费里尼对希腊戏剧传统的继承和发扬：在戏剧中制造现实感和荒诞感的平衡。观看费里尼如何把握素材并发挥想象力简直是在观看一场创造性的艺术之舞：在现实主义的场景中，自然的引入某种看似偶然的不现实因素，然后逐渐加以强化；在观众轻微的意识到这种不现实之后，引导观众去理解和接受这一不现实；注意！然后他就轻巧的放手，而不是一味的制造荒诞、戏剧性、冲突来表达情绪、感受和意图。这种分寸感，才是大师举重若轻的精妙手笔。这样的场景太多，我稍微举几个例子。一，孩童们在关门的大酒店门口闲逛，每个人都在讲述关于酒店的见闻和传说；风吹过来，地上的垃圾在轻巧的飞扬。在这里，讲述的传说有真有假（不符合前面故事中观众获得的信息），而观众作为对孩童典型的自我叙事和想象叙事加以接受，这里就是触发不真实感的开始。在中景交代人物的位置和移动之后，镜头在推移跟拍中转为旋转和往复，音乐起，孩童跳起了想象中的舞蹈。这个场景从叙事转为抒情，而现实感叠加上了戏剧性的薄雾，宛如风中翻动的纸张，漂移不定。二，在一场浓雾中，老人从自家的院落出门，浓雾中几乎难以辨识建筑、道路和树木。隐约可见的房屋轮廓是唯一熟悉和真实的影像（来自之前的段落）。老人在沉默中缓慢走动，迷失了方向，说出了一段非常之深沉和魔幻的台词：我这是死了吗？这和死亡有什么区别？没有房屋，树木，道路和酒。这句话瞬间将整个场景彻底提升为一个具有强烈象征意义的场景。这一刻，现实完全让位给戏剧感，是平淡记叙中的一个静止时刻。之后，一辆马车在雾中出现，简短的对话打破了静止，老人回家隐没在雾中，而不真实也随之落幕。而同样一场雾，在孩子一场戏中则更加荒诞，树木显示出尖利和狰狞的轮廓，营造出恐怖和未知的气氛，直至一头白色的牛从树后走出拦住去路。至此梦幻的气氛发挥至最大程度，整个段落结束。这样的段落还有很多，比如经典的对墨索里尼独裁嘲讽中的阅兵、留声机被击落、鲜花人像证婚的婚礼比比皆是，关于性和肉体的展示部分则更加放肆和跳脱，就无需在这里一一列举了。
就以上所述，费里尼在作品内容的丰富和完整性上的从容展示，以及在对现实、想象和戏剧性的平衡的把握上的高超手法，足以证明他是当之无愧的电影大师，也是最符合巴赞定义的“制造梦”的艺术家。
2 ) 《阿玛柯德》：在精神情感折射出的乡愁中 拆解费里尼的影像主题
埃米尔.库斯图里卡在《我身在历史何处》中写道：我的毕业作品《格尔尼卡》并不同于《阿玛柯德》，但是它们之间却有一座隐形的桥梁。所有的想法在这座桥上自由穿梭，从河的一岸到另一岸，抹除了人们感受这个世界的方式的差异——无论是在波斯尼亚的山区还是在地中海的海岸。我的《格尔尼卡》遵循了《阿玛柯德》的规则——这个规则就是：要拍摄这个世界上的人类，人的面孔不能脱离其所处的环境。
在库斯图里卡这里，《阿玛柯德》中的一切都是人以及人所处的环境。而在《阿玛柯德》的导演费德里科.费里尼这里，《阿玛柯德》是他一生的乡愁，是他漫长多彩奇异又充满欲望的春梦。作为一部半自传作品，《阿玛柯德》中始终有一种轻松诙谐的喜剧之感。如果看过晦涩难懂的《八部半》，就能明显感受到《阿玛柯德》中的有趣。
对于《阿玛柯德》，费里尼一定是偏爱的，因为这是关于他故乡里米尼的故事。
里米尼，一个温柔多情甚至有些性感的意大利小镇，在费里尼的镜头下，小镇中的广场、街道、电影院、戏院、海港、乡村、学校都变成了一种定格在历史中的标签。揭开这些标签，就好像揭开了费里尼的身世秘密。当一个个鲜活的人物出现时，一副趣味横生的“浮世绘”全景图昭然若揭。
看完《阿玛柯德》之后，就像做了一场梦，一场充满隐喻的，虚妄的梦。少年们挤在人群中，看着一艘大船驶过海港，费里尼用镜头记录下了欢呼的人群，恍然间，好像回到了一种迷狂的状态中，我无法用精准的语言来解释那种突如其来的感觉。唯有费里尼看见了藏匿在这场迷狂背后的无趣、虚妄以及死亡。
于是，那些注视着大船离去的少年最终迷失在了漫天的大雾里，然后我听见了费里尼的呓语：雾这么大，你要去哪里？
和遵循传统叙事的欧洲导演不同，费里尼多少作品采用的都是“无序”的叙事方式，我们很难从他的电影中捕捉到完整的故事情节。拍摄于1973年的作品《阿玛柯德》可以说是费里尼电影艺术的集大成之作，不管是从电影叙事的角度还是从镜头语言的角度，都能够感觉到这部电影带有的鲜明的探索性特征。
《阿玛柯德》是一部将虚构和非虚构的内容杂糅在一起的电影，导演费里尼采用了非常规叙事的手法讲述了自己的人生。在很多关于《阿玛柯德》的介绍中，都有“自传性”作品这几个字。而从更深的角度来看，这部电影探讨的仍旧是乡愁，是费里尼个人化的哀愁和感伤。
费里尼和里尼米：那些人，那些事。
我想，《阿玛柯德》中一定带有一种极其复杂的情感，这些情感是饱满的，呼之欲出的，所以我们才能在电影中看见记录下的那些人和那些事。电影从日常场景开始，春风裹挟着飞絮吹走了冬日的寒冷，在一个温暖的春天，小镇里尼米的生活场景逐渐呈现，人物也接连上场。
小镇上的一个小贩絮絮叨叨的念白，告诉我们，为什么人们会对飞絮如此有兴趣，因为“马勃菌”代表了春天。紧接着，小镇上的女神“格拉迪斯卡”出现了，她是费里尼少年时代的念想，带着一丝丝伤感的情欲。然后是一年一度的篝火晚会，聚齐了小镇上的所有居民......不经意间，费里尼向我们展示出了他的家乡，还有那片土地上的人。
费里尼曾表示，必须把电影拍得像毕加索的雕塑一样，把故事拆成小块，然后根据我们的突发奇想把它们重新拼凑在一起。在《阿玛柯德》中，费里尼做到了。当他在世时，有记者曾问他，为何对自己的朋友讲述了四个不同版本的初恋故事。费里尼反问道，为什么不可以，她值得更多版本。
类似的“故事”贯穿了他的一生，我们可以在他的电影中寻找到各种记忆，可这些记忆却真假难辨。有人说，他是骗子，他也不解释，甚至自嘲，并给自己的自传起名为《我是说谎者》。霍达在《穆斯林的葬礼》中写道：事实本身就已经很清楚，无须再解释；只有谎言才拼命鼓吹，唯恐别人不相信。费里尼的对自己的“谎言”似乎还有些骄傲，因为这其中有他恣意的幻想和未曾实现过的梦。
人物出场之后，紧接着就是故事。费里尼在《阿玛柯德》中给我们展示出了一种有别于传统意义上的人际关系，老师和学生之间的滑稽关系，疯子沃皮娜和男人之间暧昧的关系，工地的民工和工头之间玩笑般的关系。接下来，费里尼的摄影机来到了他的家庭生活。父亲和母亲的争吵、老少三代的关系还有偶有的较真和争吵，一切都是如此真实。尤其是当“母亲”去世后，父亲的沉默更显凄凉。
或许，在费里尼看来，里米尼是这个世界的缩影，象征着他的整个人生。影片的主人公是蒂塔，整部影片以蒂塔的少年时代为线索，费里尼从不避讳欲望，尤其是少年时代的欲望，这种欲望带着无法抗拒的狂热推动着少年走向成熟。而另一些成年人，显然更沉醉于宗教和政治。费里尼曾经这样描述过自己的少年时代：青春期之于我，正如法西斯之于历史。
回到历史中来，费里尼对少年时代的回忆充满了讽刺，如果将他的过往放在历史碎片中，真实，恰恰就是荒诞本身。不是所有的乡愁都需要回到历史才有意义，过往的那些人，那些事，本身就是乡愁的意义。费里尼记录下了里米尼的少年、青年、中年以及老年，这些人物展示出来的是不同阶段的生命历程的缩影，也是一座城市的缩影。
在《阿玛柯德》事无巨细的呈现中，我们务须去追求其中的真假。费里尼只是拼凑和呈现，用一点一滴营造出勾人摄魄的乡愁。
虚构的和非虚构的：无处安放的乡愁母题
关于费里尼的故事，我们要从富国戏院开始，1922年，年仅两岁的费里尼就经常被母亲带去戏院看戏。还未懂得“电影是什么”，光影就已经撬开了他的想象。小时候的费里尼瘦弱、孤单，经常独来独往，但他却喜欢马戏团，喜欢小丑。现实生活无法让他产生兴趣，所以，他学会了观察不同的人，然后依靠画画和制作人偶来释放他的想象。
曾读过费里尼的自传，他很乐意将自己的人生看作一连串的电影，那么，他相信，所有的生命故事都是从富国戏院开始的。或许，在很多影迷看来，费里尼是幸运的，他从小就和电影结缘，然后和电影相伴一生。如果仅仅阅读和费里尼有关的只言片语，或许这样的评价是中肯的。
然而，当你进入他的电影时，你会发现他电影中虚构的和非虚构的，其实都是无法安放的乡愁，而这种乡愁才是他电影的创作母题：17岁时，费里尼离开了里米尼，从那一刻起，他很确定，自己不想再回来。遗憾的是，他终究没有自己以为的那么洒脱。
费里尼的父亲和母亲之间的关系很尴尬，父亲常年在外漂泊，母亲严肃呆板，压抑的家庭气氛让费里尼在“青春期”产生了强烈的逆反心理。当时，在费里尼离开之前，二战爆发的前期，里米尼的宗教活动以及随处可见的法西斯党徒让他做出了离开的决定。
当他在《阿玛柯德》中回忆往事时，他将所有的压抑和不愉快剔除掉了。《阿玛柯德》中的母亲消瘦朴素，但她热爱自己的家庭，心疼孩子。而父亲是孤单的暴君，他常和母亲争吵，但依然有温存，当母亲去世时，父亲也退回到了旧日的阴影里。死亡的开始意味着少年蒂塔的成长，一个时代终将落幕，记忆里的小镇也随着母亲的死亡渐行渐远，乡愁终究成了一种虚妄的想象。
乡愁在我的概念中一种有三种意义，第一种是私人化的情感，是故土的追忆，第二种是集体化的情感，是对故国的追忆，第三种是文化乡愁，是对逝去了的一切的追忆。在《阿玛柯德》中，三者都是存在的。不同程度的乡愁编织成费里尼的梦境，重重矛盾和奢望在这里成为永恒的定格。
《阿玛柯德》是费里尼的半自传作品，带着天然的对故土的追忆，同时，里尼米发生的一切也是曾经一代人的集体生活，而最后，文化乡愁是一种带有反现代性的思考，即便所有的一切都将消失，“人们不会寻找乡愁，乡愁会在布满记忆的路上找到我们。与噩梦不同，乡愁是穿过黑夜，在大白天来寻找梦者。不过，它最喜欢的还是黄昏，那时，沸腾的白日开始疲惫，让位于夜晚的宁静。就在我们放松警惕的瞬间，乡愁落在了我们身上。”
狂欢与没落的并存：狂欢是一群人的孤单
在费里尼的电影中，我总能品尝到狂欢与没落并存的纠结感，在热闹的《阿玛柯德》中，我依然能够敏感的捕捉到小镇广场作为流浪汉寝室时的寂寞，父亲面对死亡时的茫然，女神“格拉迪斯卡”对婚姻和爱情的渴望。或许，悲与喜本来就是费里尼美学的一部分，只是我也刻意剔除掉了。
进入小镇里米尼，我们大概是带着欢笑的，那是费里尼对过往的调侃。而当人物接连出场时，悲喜剧就开始上演。戏剧落幕之后，乡愁变成了浓雾，蒙蔽双眼，只剩徒劳的狂欢。我无法回忆起整部电影的内容，因为电影过于饱满，但我能够想起，格拉迪斯卡咋和王子在大饭店的约会，想起穆斯林和他的三十个老婆。荒诞、有趣，消解了费里尼美学中的悲剧性。
在《阿玛柯德》中，狂欢和没落是费里尼的影像哲学，通过拆解这两种近乎对立的情绪，我们可以发现，费里尼的电影是需要阅读和感受的，而且，在不同层次的感知力上，电影呈现出来的是不同的镜像内容。
道德性：从道德的角度出发，《阿玛柯德》带着一些不道德，因为费里尼在电影中从不遮蔽情欲以及少年时对情欲的渴望。然而可以肯定的是，情欲有两面，一面是狂热的，不可控的，一面是没落的，可转移的。诚如电影中的蒂塔和其他成年人。
非常态：《阿玛柯德》不是一种遵循着起承转合结构来讲故事的电影，这就注定了它自身的属性——非常态。在描述法西斯的种种时，费里尼并没有采用严肃的带着悲剧性色彩的故事来控诉，而是变成了一种嘉年华，就像其他的信仰，在小镇开花时的样子。
纯粹的：《阿玛柯德》是风格对内容，美学对道德的胜利，这种感知超越了对道德性以及非常态，而是认可影像可以成为一种纯粹的表达，这是一种最为高级的感知。同时，这种感知也带来了一种更为复杂的理解维度。在这样的理解上，《阿玛柯德》完成了自身的永恒和伟大。
值得一提的是，《阿玛柯德》之后，他的电影不再有稳定的上座率，八十年代初期，由于意大利经济下行，对电影的扶持力度逐渐下降，再加上罗西里尼等导演的相继去世，意大利电影工业进入了举步维艰的阶段。当72岁的导演费里尼看见自己曾经拍片的电影城开始拍卖道具、服饰时，他第一次感觉到了自己的衰老和无力。
“他们把它拆了卖了，我也不再有市场了，很快，我们要一起进坟墓了。”
费里尼并不怕死亡，早在参加父亲的葬礼时，他就得知家族中的种种病史，并做好了心理准备。只是，他害怕寂寞，害怕被遗忘。害怕自己像《阿玛柯德》中的老父亲，经历了辉煌之后，在晦暗中走向死亡。死亡意味着梦境的终结，意味着一切都以盖棺定论，包括他的“谎言”。
也许一开始就知晓了命运的最终章，所以他的电影永远无法呈现出自以为的轻松，不管观众如何去解读其中的嘲讽、幽默、荒诞，其内核依然是孤单。当《阿玛柯德》落幕时，我想起了曾经摘录过的一段话：我有很多从我们身边离开的人，他们就这样来了又走，他们或多或少的在我的灵魂上抠一个小破洞，但是他们都是孤单的孩子，我管不了那么多了，我想我们只可以为孤单的孩子歌唱，为孤单的孩子傻笑，为孤单的孩子落泪，为孤单的孩子给灵魂洗澡，为孤单的孩子发疯，为孤单的孩子嚎叫，为孤单的孩子继续孤单。
曾经滋养了我的青春的带有距离感的电影，如今变成了一种媒介，联通了我和我的青春。最初的故事就像一个个预言走进我的记忆，我不断地拆解，书写，分析，后来发现，这不过是费里尼的玩笑。后来，他走进了夕阳里，而我还在，自此，他的电影安慰了我的孤单。我幻想着，我曾和他面面相对，谈论他的电影和他的历史，然后和他一起消失在漫天的大雾里。
3 ) 我记得，想当年
电影中有几个重要的段落，其中一个描绘了年轻的费里尼到教堂告解，然而神父不仅没有告解室，而且对于告解内容毫不关心，只关心教堂中花朵的布局美观，然而谈到自慰时，神父却听得津津有味，还不停的追问。费里尼对于宗教的讽刺在多部影片中都有所体现，像《甜蜜的生活》中所谓神迹的出现对于人们的愚弄，像《罗马》中教会服装秀的则讽刺了教会浮夸而不切实际的本质，还有《卡利比亚之夜》中人们对于圣母实现自己愿望的一厢情愿。在《甜蜜的生活》的开头，耶稣被直升飞机吊走，象征了现代社会中神学已经被科学代替，信仰已经消失，而理性主义则加速了人们的道德沦丧和精神困惑。
有一个段落，城镇的居民都做小船到海上去看墨索里尼的大船，回去之后则起了大雾，费里尼的爷爷找不到了回家的路。这一段象征了人们对于偶像（法西斯）的盲目崇拜，使得自己在自己生活的世界中迷失。费里尼对于法西斯时代的意大利政治事件描写并不多，印象中还有《罗马》中大家从剧院出来却遇到轰炸躲到防空洞这一段。然而，费里尼却在《扬帆远航》中对政治进行了彻底的解构和嘲讽。把政治历史事件的发生取决于一个年轻人的莽撞行为，历史是由偶然事件触发的，这基本符合福柯的结构主义思想。
电影的最后，以一场喧闹的婚礼结束。费里尼暗恋的女人和一个军官结婚。城镇的所有人都来庆祝，这场婚礼象征了费里尼青年的结束。就像《浪荡子》中一样，费里尼会离开故乡，进入新的生活阶段。这场婚礼尽管看上去热闹喜庆，但是内部有一种深深的伤感，这种伤感来自于那种时光流失的感怀和一种告别的忧郁。这种伤感在费里尼后期作品中非常突出，老年的费里尼对于时光和年龄有了很多的感触，就像《舞国》最后金吉与弗雷格的告别
4 ) 丰美
不适合我，太吵太碎，看了觉得有种莫名其妙的想吐。也就那段放国际歌和大家一起在车库里jerk的片段好玩点。波普艺术，偶像，火舌，“我的祖父做砖头，我的父亲做砖头，我也做砖头，我的房子在哪里？”丑相，不知道别人作何感想，我只觉得很多东亚人笑不出来。竖棂窗，估价，狂信，真正的声音，摧毁了也不是战胜，水光，干果，薄荷绿。
5 ) 在雾中，叔叔上树，女人终于出嫁
没有见过实质如此伤感但又幸福舒畅的结局。
个人认为无疑是费里尼最感人肺腑的影片。
6 ) 《阿玛柯德》9.5
①
费里尼小时候为了去镇上看马戏团表演而离家出走。杂耍艺人、小丑、妖冶而健美的女郎，舞蹈、游行、狂欢表演，那些绮丽与盛大在他心中留下了不可磨灭的印象，后来终其一生，他拍的电影都宛如一场「马戏团表演」。
我总说，「所有导演一辈子不过是反复地拍同一部电影」，其实可以再补充一句，「并且他们拍的，最终都是自传或半自传体」。
②
他热爱那些热闹喧嚣的花团锦簇与彩带飘舞，也热爱狂欢落幕电影散场之后的一地荒凉，越喧闹越孤独，这一切本就一体两面。
所以《大路》的尽头只剩赞巴诺承受无尽的悔恨的孤独，流浪艺人与小丑的爱情，到最后唯有海浪翻腾。
所以罗马上流社会的生活有多甜蜜，关上门来摘下假笑的面具，就有多空虚。
也所以《阿玛柯德》从春天开场，必然要走向冬天，走向母亲的葬礼。然后又是春天，尘菌柳絮又飘起，迷恋着的小镇女神嫁给了军官，婚礼后，她将随之远行。
③
电影里有个「说书人」，他总是推着自行车路过，然后直视着镜头和你闲聊起来，讲讲小镇的历史，唠唠家常。我们都知道演员直视镜头是表演的大忌，与观众的直接的视觉接触会直接打破电影的封闭幻觉，费里尼偏要犯忌，而且不是一次两次，是一共六次。
可是「说书人」的夸夸其谈也总是被旁人打断，不是有人在远处「噗噗」的故意发出怪声，就是画框外飞来一堆雪球，他打断了电影进程，而电影又总是反过来打断他与观众的「独处」，真美妙。
④
老人在秋雾里迷路，喃喃着「要是死亡也像这样，我不会多想。」忽然又恐惧起来，「我在哪儿？我的家在哪里？」再一转身，原来他一直都站在门口。已知老之将至，甚至反复设想着死亡的模样，终究眷恋人世难舍故土。
少年在雾中却邂逅神兽一般的白牛，白牛静静地凝视少年片刻，低头懒散地步入枝杈与雾。
⑤
费里尼的故事里总有荡女，妓女，也总有圣女与母亲，前者布施男人的肉体，后者救赎男人的灵魂。男人大多软弱而花心，要么，他们反复地辜负女人，要么，他们无助地等待女人拯救。
⑥
我敢打赌，朱塞佩·托纳多雷是费里尼的狂热影迷。他的「天堂三部曲」简直到处在致敬费里尼，尤其《天堂电影院》。
⑦
已经可以断定了，这是我今年没有并列的No.1。可惜我没法写一篇配得上它的影评。
20181113
三星半. 有心或无意地,经由狄俄尼索斯式的狂欢,费里尼的怀旧之作令人不无惊讶地意识到,法西斯主义的底层情感逻辑正根植于浪漫主义之中,它乃是一场走向极端的浪漫主义运动;破坏性的可怕之物在源头上却是简单而朴实,光明而快乐的――为了给原始性寻找意义,浪漫主义者站在民族的、本乡的领地上向后看而非身处异邦的、普世的立场向前看,他们甘愿沉浸于放纵的想象力游戏和自我魅化的幻想,无限追忆着往日荣光,将寻常之物神圣化,把宏伟完满之物视为追求:巨大的墨索里尼,巨大的轮船,巨大的古建筑……永不止息的节庆活动蕴藏着一种集体的亢奋状态,对自由的非理性生命力的渴望,对群体"运动"的热爱,尽皆汇入结尾婚礼上突兀的一句"Viva Italia",而彻底暴露了这一指向――民族的政治激情最终成为了激情的民族政治.
分三个中午看完，看得心都化了。丰富得无与伦比。温暖，真实，不造作。幽默智趣，活色生香。家庭，族群，城镇，国家，政治，宗教。爱，情爱，性爱，家庭之爱。……这么多东西在一起，却毫不淤塞，甚至看上去十分风淡云轻。镜头语言干净流畅素美。还会再看，约三两好友一起看，一起陶醉。
【B】即使到现在 除了八部半对费里尼后期的电影还是欣赏无力 主要还是话太多+意大利电影配音太烂 但是看得出对后世导演影响相当大，托纳多雷的三部曲都能看到它的影子，还有姜文太阳照常升起里那个爬上树顶大喊的疯子也是来自于这里
情怀真的太动人，诗意和荒诞完美结合，连环画一样碎片式不断向前的生活无外乎凡人的生老病死，嬉笑怒骂，其中的迷恋、偏执、求之不得，这些细微的情绪最终都化在又一年的春风之中。红裙子，雪迷宫，孔雀伯爵，这些意象真是不得了的浪漫啊！
费里尼曾说：“一个人所能做的纪录，永远是，也只能是对他自己的纪录”。在电影中，我们也清楚地看到费里尼对女性形象的思索与著迷，圣母、烈女、荡妇的三位一体，母亲与妓女形成了互为表里的对比，而费里尼作品中一再出现的、体态丰腴、巨大的女体，不但是哺育孩童的母性泉源，也是青年性启蒙的开端。
#重看#@影城；如果说《浪荡儿》是小镇青年，此片则是小镇少年，众生相之横截面；散文式的乡愁，回荡在平移运动镜头的曼妙里，氤氲在灵光一现的天才火花里，如开屏蓝孔雀，如树上的叔叔，如雪地红衣女，特别喜欢这些神来之笔，串联起来就是费式风情画，是真正的绝美之城。
费里尼的“小镇风情画”，比起罗马的厚重和肃穆，在犹如一道蓝色霹雳的海边没有狂风般暴烈的情绪只是柳絮飘扬的轻柔浪漫。春夏秋冬又一春，四季变换间勾织起少时记忆。整个观看过程都处在痴迷的状态，喜乐忧伤自然流淌。在一次次追寻格兰提斯卡的目光中为其送别，关于“你该如何回忆我”的答案随之浮现——带着笑，也很沉默，失落但不悲戚的平静和释然。毫不费力但处处神笔，导演技法已入化境，信手拈来。最爱雾中两场戏，爷爷问我这是在哪如同暮年回首自问，“我的家在哪？”“你就在家门口。”随后一场舞，舞出一生轻盈曼妙。我爱费里尼。我最爱的费里尼。
5年前备注想看的评语是 “One of my favorite movies of all time !!! - lychee superman” 我是真爱。第一部费里尼。
看不进去。
费里尼真是个能点石成金的家伙啊。
这是一部结构松散、支离破碎的作品。刚看完的《梄山节考》，更衬出这部的低级处理。费里尼是那类很会唬人的导演（略高于王家卫、岩井俊二、贾木许），擅用一些小花招蒙蔽观众，难怪美国人把他推崇到和安东尼奥尼、伯格曼同样的地位。看这片时想到两件事：铁凝的散文《我在大雾里得意忘形》和毕莎罗的画
淡淡柳絮。浅浅哀愁。回忆是冬天里的一把火。是圣母峰头的一脸汗。是来去无踪的大白牛。是踏雪而降的开屏孔雀。是父亲的秃头。母亲的葬礼。春天来又去。柳絮飘啊飘。像生活像幸福。想抓却抓不到。
柳絮积雪，孔雀开屏。丰乳肥臀，青春迟暮。怪诞百态，欢乐祥和。海观巨轮，非洲群女。葬礼婚嫁，纳粹余音。大雾赏牛，影院课堂。我记得，想当年，里米尼上河图。就说有多少导演学习过这部电影吧，从通俗到高级太难掌握了，托纳多雷和费里尼之间也许还差着个丁度·巴拉斯（都喜欢）。资料馆修复版。
记得当年事几许，满城风絮，丰乳肥臀，上树要女人~
1975奥斯卡最佳外语片。费里尼对青春故乡的回忆，极富生命力的日常细节，融合漫画式忆想的小镇群像，碎片组成的镶嵌图画，纯粹而崇高的朦胧诗章。尘絮飘飞，四季轮转，丧葬婚嫁，背井离乡。孩童顽劣尿淫欢，丰乳肥臀性启蒙，巨轮憧憬风琴手，孔雀开屏雪迷宫，雾中起舞看白牛，叔叔上树我观影（9.5/10）
小城故事多，充满喜和乐，若是你到小城来，收获特别多。看似一幅画，听像一首歌，人生境界真善美，这里已包括。谈的谈，说的说，小城故事真不错。
丰富，太丰富了，生活剧场，人生舞台，季节轮回，人心阴晴，政治、历史、家庭、市井、性的启蒙、回忆的梦境，孔雀开屏直叫人热泪盈眶。故乡永远活在细节中。
一种流动的景象，充满了惊奇。一种狂乱的想象中的无法预测的生活，完全虚构的小镇经验令人沉醉。那么私人，又是那么诚实，挥洒才情又满足自我。笑到流口水，眼眶里又溢满了泪。库斯图里卡的《地下》绝对受到费老师的影响了吧。这个世界上竟然有这样的电影，我们的眼睛真是有福。
故乡、故乡是什么是晨雾中若隐若现的白牛是大雪里迎风招展的孔雀是静夜下拔地倚天的巨轮是留声机里的国际歌童年、童年是什么是神经错乱的妓女是体态丰腴的店长是拉手风琴的盲人是作诗的工人蒲公英来时一把火燃起所有的性幻想在母亲的丧礼上又再次压抑那么我、我是谁我是一封写给往日的情书
可能和《甜蜜的生活》《罗马风情画》一起，共同进入最喜欢的电影之列。最终，真正的影像都放弃了情节，你只需要场景、造型、丰富的细节… 巨量的人物把电影彻底肢解，然后又在不断的复现中把影像一点点缝合。如果说早年费里尼完成了现实主义，中年叙说了现代主义，晚年的他则成为了现代主义本身。夫妻吵架、巨乳女人、雾中老人令人过目难忘。