局部 第二季

去纽约前才抱佛脚看了《局部》第二季。陈丹青先生的文法一如既往，无法令人失望。他姿态平稳，观点独到，面对前人天才们的神品一派向往甚至退缩，都透着可爱的纯真和天然。我寥寥记录了一些语句和图画：

印象画派萌芽时，无法得到沙龙画家（勒帕日、卡巴内尔等）的赞赏，画作全被拒之门外。当时的沙龙画：

勒帕日《剁草》（巴黎奥赛美术馆）

卡巴内尔《维纳斯的诞生》

被拒绝的马奈《草地上的午餐》：

马奈《草地上的午餐》（巴黎奥赛美术馆）

“巴比松画派，他们没有被历史忘记，因为他们的画，有真气”：

柯罗《荒野中的夏甲》

米勒《晚钟》（巴黎奥赛美术馆）

米勒《拾穗者》（奥赛美术馆）

“米勒画中那种艰辛和宗教感的合一，其实是前现代社会最后一段光阴。”

辽代易县三彩罗汉

辽代易县三彩罗汉

“罗汉比菩萨低一级，是凡人修成的。罗汉的面容、表情、性格会让人有亲切感，觉得他可能是曾经在世的人。”

“而佛像、菩萨像不能做得像凡人，各个慈悲、美妙、非男非女、超凡入圣，人间没有这样的脸。独有这两张罗汉脸，我们觉得认得他。”

文艺复兴时期：

拉斐尔《宾多·阿托维蒂肖像》（华盛顿国家美术馆）

缇香《男子肖像》

“八十年代开放以后，国外的画册涌入国内，我才发现有成百上千的神品和妙品，好比一路登山，目不暇给。三杰（达芬奇、拉斐尔、米开朗基罗）常被比作高峰，话是没错，但是每次登顶反倒若有所失，反而怀念一路上见到的盛景。”

“这也是为什么我喜欢讲述次要的作品，是他们构成了一座一座山。”

祭坛画：

Giovanni _Paradise

Giovanni_The Presentation of Christ in the Temple

“他的画既没有透视法也没有阴影，可是画得非常天真，像是一块美丽的蛋糕；又画得非常神秘，像是一场梦。大量画家从来不遵守所谓透视法，那是另外一个丰富的、美丽的意大利，占了文艺复兴绘画的六七成以上，意大利各省的小教堂，布满了这样的梦境和蛋糕。透视法之外，还有许多绘画手段，另有一种古老的美感，比方说平面感、装饰性，还有图案分割之美，包括手感的天真拙朴等等。”

元代《药师经变图》原山西广胜寺

“永乐宫和广胜寺的壁画，承续的是唐宋的雄大恢弘，但是更富丽一些，后来的明清绘画铺张了元代壁画的富丽，但细节越来越多，格局越来越小。论气势，不如元代的壁画了。”

北宋·武宗元《朝元仙仗图》粉本（王季迁后人私藏）

北宋·武宗元《朝元仙仗图》粉本2

北宋·武宗元《朝元仙仗图》粉本3

北宋·武宗元《朝元仙仗图》粉本4

尼德兰画派：

彼得·勃鲁盖尔《受难之路》

“勃鲁盖尔擅长用荷兰乡间人物、景色描绘圣经中的故事，夹带私货一般，把身边事、人间事带进宗教画。”

格鲁盖尔《孩子们的游戏》（奥地利维也纳艺术史博物馆）

“此外，勃鲁盖尔还是个描写日常风俗的大家，是欧洲绘画史格外天真的画家，留下无数可爱生猛的画面。布鲁盖尔画农民，有用不完的好心思、好心情、好精力，就像一个整体喝酒胡闹的庄稼汉。”

格鲁盖尔《收割者》

“这幅《收割者》，勃鲁盖尔从他自己画面上人山人海、嘈杂喧闹的画面里忽然溜了出来，画了这么一幅舒朗的、人物不多的风景画。在这幅画里，一点都没有割麦的苦相，一切在他眼里都生气勃勃，这是他非常抒情的一件作品。”

卡拉瓦乔《音乐家》

卡拉瓦乔最重要的贡献是，15世纪漫长的文艺复兴的绘画模式，在他手里终结了，我们今天所说的“现实主义”在他手里半自发地萌生。他的写实性和库尔贝不同，库尔贝的现实主义主要针对题材而言，是对安格尔“古典主义“和德拉克罗瓦的“浪漫主义”的反叛。而卡拉瓦乔画的仍然还是圣经故事，他讲圣母、耶稣、圣人、天使画出人间的真实感，是一件勇敢而微妙的事情。说他微妙，是因为他笔下的人物生动可信，同时仍然沐浴着神行的光芒。

他的创造性贡献是画出了昏暗与聚光的对比，在当时是全新的风格。在卡拉瓦乔之前的画家，如提香，已经开始为宗教画增加了空间感，到了卡拉瓦乔，他画中的主要人物都会被一束聚光灯照亮。从14、15世纪的湿壁画和蛋清画形成的绘画的平面感，到巴洛克绘画进入一种纵深感，天才卡拉瓦乔完成了这个过渡。

伦勃朗的聚光只是拓展了卡拉瓦乔的手法。拉图尔走得更远，他的画里最终只剩下了蜡烛。

卡拉瓦乔《朱迪思砍下霍洛芬斯的头》（罗马国立古代艺术美术馆）

16世纪的欧洲绘画是充满暴力和血腥的画面。他画的美不消说，难得他画中的肢体语言，非常有说服力。

卡拉瓦乔《基督下葬》（梵蒂冈博物馆）

普桑《抢夺萨宾女人》

真实的战争惨不忍睹，但文艺复兴绘画中的战争，不但姿态优美，甚至还表现出一种瑰丽的美感，完全没有血腥气。说明，“当时吸引画家的，不是战争的残酷，而是战争的壮丽”。

普桑的画，每个角落都是冷静的、克制的。普桑是一个绘画的修辞学家。他始终关心的都是希腊式的优雅。普桑一辈子规规矩矩学习意大利，但每一笔画的都是他自己，他最终开启了法国绘画的风神。

“绘画史的现象，就是用走向前辈的方式，离开前辈。你盯着大师看，其实想的是自己的作品，这就是不自觉的偏离。”

雅克·路易·大卫《劫夺萨宾女人》（卢浮宫）

维米尔迥异于他的荷兰同行，他的画，十之七八是神品。

维米尔《带珍珠耳环的女子》（海牙皇家美术馆）

维米尔《绘画寓言》（维也纳艺术史博物馆）

维米尔《瞌睡的女仆》

“我不敢面对他的珠玉之作，不是指他画的精美、圆润，而是指那种绝对沉默的画面。看了以后我会觉得自己的画只是涂鸦，没有诚意，没有心肝。”

“维米尔绝大部分作品的涂抹、填色、覆盖，都是均质的、主控的、平面化的，只有在这副《瞌睡的女仆》中，维米尔在陶罐和桌毯上进行了过度刻画。这种由油料、色彩、笔触绵密叠加的凝结层效果，就是油画的质地美。这种效果在印刷品上体现不出来，只有在真迹面前才能体会到。”

“所谓绝品，体现为一次性，那是才华的意外，是上帝的礼物，是画家的运气。”

马奈《死去的基督和天使》

那时的所谓“现代绘画”，是指不再关心画什么，而是怎么画，即享受绘画的快感，享受颜料、笔触、层次等各种各样丰富的效果。在马奈之前，画中的故事、神态、表情最重要；在马奈之后，每一个细节都同样有趣。

维米尔之后的两百多年，绘画解放到来，印象派画家个个自觉追求并享受绘画的快感。若论油画凝结层的堆积度和粘稠度，以及大胆和猛烈的程度，马奈的《基督》超过他的《草地午餐》和《奥林匹亚》。

马奈《奥林匹亚》（奥赛美术馆）

董源《潇湘图》

五代·董源《溪岸图》（故宫博物院）

早期的绘画基本都是订件，画家没有为自己作画一说。

安格尔

安格尔可能是最后的认真的订件画家。他在描绘贵族客户的盛装时，丝丝入扣，瑰丽而沉默，他对图案的描绘，半自觉地进入了现代的形式感，没有宗教意识，也没有人文主义。

《安格尔与面料》

哈尔斯

梅姆林

17世纪巴洛克三杰：鲁本斯、伦勃朗、委拉士开兹、哈尔斯（陈丹青偏爱）

伦勃朗：荷兰阿姆斯特丹国家博物馆、俄罗斯东宫博物馆、维也纳艺术史博物馆

委拉士开兹：马德里普拉多博物馆、维也纳艺术史博物馆

哈尔斯：荷兰哈勒姆（警官群像）

委拉士开兹《骑马图》草稿

《胡笳十八拍》第一拍

《胡笳十八拍》第二拍

《胡笳十八拍》第四拍

《胡笳十八拍》第十拍

《胡笳十八拍》第十六拍

《胡笳十八拍》第十八拍

《晋文公复国图》局部

《晋文公复国图》局部

《晋文公复国图》局部

《晋文公复国图》局部

“现代派”的开山鼻祖：马蒂斯、毕加索

马蒂斯_Joy of Life（费城 Barnes Foundation）

马蒂斯《戴帽子的女人》（旧金山现代艺术博物馆）

马蒂斯画画出手大胆、色彩猛烈，比毕加索前卫得早，出名也早。

毕加索《格特鲁德·斯坦因肖像》

从此，这副斯坦因的肖像，带领毕加索走向了“现代主义绘画”最关键的突破，就是“立体主义。”

在片头维瓦尔蒂四季之冬的背景音乐下，陈丹青老师汇总了自己二十年来在美国第五大道——大都会艺术博物馆的学习、参观对这些艺术品的理解与感受。首先从空间上，我了解到，大都会博物馆创建于1870年，比故宫博物院早了55年，占地面积13万平方米，馆藏300万件，一周7天全天开放，过去是免费入馆，票价由参观人随意给，哪怕1美金也可以，现在成人票价25美金，以前的门票是一个小铁皮，有各种颜色，现在据说是因为财政问题，改成了纸质门票。馆内有三层，涵盖了伊斯兰艺术、希腊罗马艺术、原始艺术、古代近东艺术等18个陈列室和展示。陈老师讲到了其中两个庭院，中国苏式园林“明轩”和来自埃及的丹铎神庙。两个具有最古老文明的国家文物，出现在了美国的国家博物馆之中，不由让我心中带有一丝悲悯之情，中国人总有些落叶归根的情感以及对殖民压迫的反对和愤慨。但当我看到陈丹青老师站在神庙前，介绍这座神庙的历史背景时，仅仅是透过屏幕，我都感受到了神庙的震撼！威严！这座神庙为什么会存放在大都会，与殖民掠夺无关。上世纪60年代埃及建设阿斯旺水坝，许多文物古迹都将淹没在水库内，联合国教科文组织进行了紧急抢修工作，美国领头出了大钱，埃及政府将整个丹铎神庙赠送给了美国（陈丹青说是埃及打包卖给美国的），这个操作我也是很震惊。在伊斯兰展馆中，有一个完整的十八世纪早期的叙利亚房间，来自奥斯曼帝国时代的一个上层阶级的会客屋，其中尽是繁复具有特点传统阿拉伯花纹，几个开放的壁柜上摆放了各种书籍及瓷器，很难和现在战火连天的叙利亚做联想。其实，站在历史观与辩证的角度上来看，在某种程度上也是保护了这些慌乱年代或面临危机中的文物们，但当时当景的侵略者，他们发心是为了归为己有而不是保护，摧毁的文物比保护的要多的多。对于被侵略者来说是一次来自外部的文化侵略及掠夺。陈丹青老师就大都会博物馆厅前的永久性的5束大的鲜花单独做了介绍，其中四束分别放在大厅的神龛中，一束放在问讯台的中间。这5束鲜花根据季节每周更换，品种来自于世界各地，一束至少三千美金，一个月光是花在鲜花上就要五六万美金。这些鲜花的费用来自《读者文摘》的创始人华莱士夫人长期无偿的私人捐助。一百年之余，她身前身后花在鲜花上的费用已达到了四亿美元。她对于文化事业及艺术的的贡献让人动容。我觉得是时候我们应该反思自己，在博物馆运营、陈列的展陈、藏品的保护、对公众的教育普及、非盈利运营等方面，欧美的博物馆系统是先进的，领导层对于文化的重视也可以反映出这个国家的状态。美国历史虽然只有200年，但是大都会博物馆已经建馆150年，经过历代的努力已经成为了一个世界性的博物馆，供全世界的人民学习。一个时代稍纵即逝，对文化的保存是对现代人的启示及留给未来世界的信，警示人类不要走向灭亡。正如木心所讲，年代更替，艺术的第一价值会衰退，进入第二价值——艺术价值。

第二集我们走进了场馆二楼，与展馆陈列一样开始对十九世纪的艺术进行一次回顾，以当时最主要的几种类型的油画风格为例——沙龙派、学院派（ 梅索尼埃、安格尔、德拉克洛瓦）、到“现实主义”（库贝尔）、巴比松画派（科罗、米勒、杜比尼、卢梭）及印象派（马奈、德加、塞尚、莫奈、雷诺阿、梵高、高更）。如今的展厅展陈中，印象派画家一个人占据了一个大厅，而沙龙派却只能在走廊或者和他人挤在角落。二十世纪及二十一世纪，人们更加偏爱“天才的偏离”。可在十九世纪，库贝尔，巴比松画派（乡村画面）、印象派都不在主流之中，经常被沙龙拒绝。“大家相信书本、教条，不太肯相信自己的眼睛。规范永远在期待天才的偏离，因为任何规范不可能包容千差万别的真实。少数遵守规范的沙龙画作品，成为历史的注脚，印象派的陪客。”陈丹青的经典总结。接下来就需要对西方美术的历史线条再做梳理。