生之欲2022

如题。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。

不算惊艳，但娓娓道来，轻轻拂过，适当刻画，不矫情也没那么多惊喜。而这种适度的轻，恰如其分地真是了活着的含义。

正如老人死后，那句我们要继承这种精神，可以把事情搞定的激情宣言，很快就被现实打包，叠放在永远待办的高高的案头文件里，我们的生命本来就难以突破。所以，日复一日的间一点点小小的突破，才那么的珍贵，富有勇气。全剧个人都没有什么泪点，但在最后结尾，字幕出来，那首老人几次哼起的童谣再次响起的时候，感动一阵阵袭来。生命如蝼蚁，所以所谓的突破或成就，才如此平凡和厚重。

开头的感觉，非常石黑。但石黑的世界里比较少有反转，所以黑泽明的诠释和石黑的世界本质上有点打架，但电影通过很好的表演和剪辑，以及整体的诙谐感，尽量在调和这对矛盾。 手法也没有多新，但真的很稳，处理得好成熟。

比如有一个经典的镜头，科长打开伞，带着组员们往外走。伞撑开的下一秒，直接切到了葬礼。然后随意对他的反转，都是在一些日常的琐碎中的回忆里带出的。比如通勤的过程中，大家在回忆老科长的努力，逐渐被他感染的镜头，用一种最琐碎的场景，去陈述一个人的高光。 在这个镜头里，有了剧情里最高昂的台词，我们要继承他的意志精神。结果下一个镜头就是例行公事的敷衍办公。

这个打伞镜头，直接接着是大家忙活去建造游乐场的场景的话，就是好莱坞英雄大片；如果结尾不是花园里的死亡，而是停留在葬礼的话，就蛮鸡血教育片的。

演员的表演十分加分。大屏幕看的，非常舒服。

又体味到了石黑一雄的英伦味的日式哲学，原汁原味。再看黑泽明的日式救赎变成英式，却别有一番风味，从中能看出日本文化和英国文化的相同和相异。相较于1952，看70年后的2022，是同一道“菜”却是不一样的味道，令人惊喜。

期待有更多的作品是由新技术也好，时代新观念也好，能由不同的文化阐释呈现，能让我品尝到不同的“味道”

真心期待

看的时候哭了很多次，主要是演员演的很好，以及大荧幕质感太好了，喜欢这种颜色和摄影风格，老派，平静，无声的呐喊。哈里斯小姐说，你的外号是僵尸先生。我觉得我也可以用这个外号，僵尸大姐，面如僵尸，身体如僵尸，情绪如僵尸。我也想预防自己变成威廉姆斯，但是貌似这也不是我能做什么的，每天一点点温水煮青蛙，我的力量抵不过温水。原来生之欲是这样的，你突然内心鼓起一种动力，也许是冲动，也许是终于点亮了意义，你不惜一切代价去随着这股力量去实现目标，很多“活着”的僵尸时刻所在乎的事情和束缚都消失了，你只有眼前这个目标，和内心那股劲儿。“我没有时间生气”。其实我也没有，所有人都没有，不到三万次的看日出的机会，我们take the chance了没有？还是花了几千个看日出的机会在生气，在后悔，在纠结，或者哭泣？

不知道日本版是怎样的，看完英国版的感觉这就是个很英国的故事。不愧是石黑一雄编剧的。每件事都是小事，每件小事又很令你在意，在你找到意义之前，在你去掉枷锁之前，在你变得不顾一切之前。

再见僵尸先生，在你坐在不开灯的客厅沉思的那一刻起，你又活了过来。

整部影片看完之后，对于复古的伦敦街道和英国的工作制度有眼前一亮的感觉，同时也被这个温情的故事所感动，人物的表演也很有力量，刻画的很有层次感，影片的内容不难理解，剧情也偏向简单，仍然讲述的是他自我救赎的故事，以小见大，从这儿能见到很多人一生，当然，最令我感觉到赞叹的就是男主的演技，总体上表演节奏富有层次感，能够很好的将人物刻画出来，给观众呈现出一个丰富的人物形象。

首先，这部影片最大的亮点也是这部影片作为个人类叙述性电影来讲，男主的人物形象是整部影片最大的亮点，也是刻画的最为成功的地方，影片用前后对比的方式将男主人公的形象逐渐的呈现给观众，也使得他的人物形象印记在观众的头脑中逐渐清晰起来，比如在影片一开始用一个第三者的视角来刻画了男主人公的特殊高贵，以及他对于工作的态度，而在后面，通过他谦和的态度以及想尽力去做好游乐园设施一件事，能够看出演员的演技以及主人公对于事件前后的变化，通过这种前后的对比，将主人公的人物形象形成反差，刻画给观众，其中有两个场景留给我的印象是最为深刻的，其中一个是他得知自己得了癌症之后，被迫告诉单位公司里以前的女职员，两人在酒吧一面镜子的下面相互交流，他放下了自己以往高贵的面具，在镜子下，像一个小孩一样，对着女职员倾诉自己的心理，在镜子里，他是矮小的，低矮的，象征着自己内心的脆弱，将人物形象很好的突出了出来，很容易引发观众的情感共鸣，刻画他人物形象的镜头，另外就是在最后的时候，他坐在秋千上，慢慢的荡着秋千，那一刻，他好像一个孩子，等待自己的母亲来接自己一样，用这种前后的对比来形容他在最后的时刻终于完成了自我的心理救赎，也许这一刻他的内心是平静的，是享受的，令观众能够联想到人生的长度，给观众留下充分的思考空间，将这个人物的厚度和思考性留给了观众。

另外就是整部影片的镜头和布景也是我非常满意的，影片的开头用复古的方式生动形象的刻画了伦敦的街头和人物形象，用极其复古的影调来诠释了当时伦敦的街头，影片的镜头也很客观和全面，对于刻画人物，中景镜头和近景镜头的运用也很恰当的把人物的感情，情感表现呈现给了观众，还有就是整部影片的影调，光线音乐运用的都是值得称赞的，影调，在前期使用冷色调刻画着男主高贵的一面，而在回到家以及之后，都运用了黄色的暖色调，你在刻画他内心的转变和内心的脆弱，而整部影片的音乐可以说是运用的很不错，但片运用了音乐来推进剧情刻画人物形象，不过，美中不足的是，剧情的推进和过度有些过度依赖于音乐，我得人物的形象转变稍微有一些细节处理的不自然，不过，总体上并不影响人物的表现和刻画。我并没有看过日版的那一个版本，单就这一个版本的，我认为剧情的表现张力可以再突出一些剧情的推进，可以再自然一些，也许会达到更加意想不到的效果。

这部影片同样也是一部救赎类的影片，讲诉的是男主一个人的心灵救赎之路，人之将死，其行也善，在最后的时候，正如他自己的台词所说的那样，也许这个游乐园会因为年久失修，或者因为一些其他的原因所淹没，但是至少表明这是他留在这个世界上的印记，是善良的印记，在最后的时刻，他选择了善良，选择卸下面具，留在这个世界上，有自己的印记，影片留给了观众充分的思考空间，虽然有一些细节处理的很不到位，剧情的推进上，也存在着一些小的瑕疵，但男主通过他细致的演技，很大程度的弥补了这一缺憾，总体来说，这是一部很值得一看的心灵救赎影片。

得了诺贝尔文学奖后还会“屈尊”写电影剧本的，古有萧伯纳，今有石黑一雄。石黑一雄这次把黑泽明七十年前的经典影片《生之欲》搬到同时代的英国，当然跟他的日裔英国人身份有关；但我猜另一个原因可能是那位工作了一辈子压抑感情失去自我的男主颇有些《长日留痕》中史蒂文斯的影子。史蒂文斯以牺牲个人欲望和情感为代价树立了管家的职业典范，本片男主威廉姆斯实现了小时候当绅士的梦想却也沦为了一个平庸无趣的人。两者的区别在于，前者是人物有意的选择，一生坚持以工作和尊严为重；后者则是无意识的渐变，到后来实际失去了人生的目标。两者都令人唏嘘，但后者的例子因为更加普遍，且涉及生死的永恒话题，所以更令人触动。

本片绝大部分的剧情都来自老版。因为我已写过老版的影评（//movie.douban.com/review/15052490/），所以这里只讲一些两版的异同。总的来说，新版保留了原作的主题——对生命的眷恋、对生命意义的求索、对人情世故的讽刺，但节奏更快、情节更精简、对白更写意、画面更精致、黑白变彩色、细节换为英伦元素等。同样是以新员工的视角开头，但这次是通过他的观察而非审判性的旁白。相比老版，新版删除了本来就有点跑题的看病风波（医生不愿告诉真实病情），省略了男主对过往父子相处的回忆（新版中淡化了父子关系对男主的重要性），简化了葬礼上的争功（也弱化了对官僚主义的批判）。老版哼唱的《凤尾船之歌》是表达时光短暂，要珍惜当下；新版则是苏格兰民歌《花楸树》，意在怀念故乡和童年（有点玫瑰花蕾的意思）。两版中，男主都是在与女下属的最后一次见面时重新找到了人生目标（修建儿童游乐园），但契机有所不同：老版是女下属说自己无非就是和常人一样工作和吃饭，而“工作”让男主想起自己仍可在职权范围内做些有意义的事；新版则是男主自己在袒露心扉的过程中举了两个小孩的例子——他把一个在游乐园贪玩不想回家和一个没人玩等着回家的小朋友作比较并肯定了前者——于是想到要建园。小孩的例子显然是在表达对生命和快乐的贪恋、以及亲密关系的重要性。男主最后在自己建的游乐园里去世了，就好像在死前当了回贪玩的小孩，表明过去几个月的探寻没有白费。看他荡着秋千哼着歌，既令人心碎又令人欣慰——这也是老版的经典镜头和海报。

石黑一雄说比尔·奈伊是他心中扮演男主的不二人选，事实证明了他的眼光。最终奈伊拿了一众影帝提名，石黑一雄自己也提名了奥斯卡最佳改编剧本，只是都没得，所以他尚未成为继萧伯纳和鲍勃·迪伦之后第三位同时拥有诺贝尔和奥斯卡奖的人。